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Sabemos del posicionamiento lider actual de Japón en el marco de la fotografía, pero, ¿qué sabemos de los inicios de la fotografía en el maravilloso país nipón? Vamos a verlo.

Los orígenes de la fotografía en Japón se remontan a la década de 1840, cuando el país abrió sus puertas al mundo occidental después de años de aislamiento. Durante ese período de apertura, los europeos y estadounidenses introdujeron la fotografía en Japón, y la tecnología se difundió rápidamente por todo el país.

Uno de los primeros fotógrafos japoneses conocidos fue Nakajima Raisho, quien aprendió la técnica de fotografía en un viaje a China en 1854. Después de su regreso, abrió un estudio de fotografía en Edo (actual Tokio) y comenzó a producir retratos y paisajes.

Nakajima Raisho fue un pionero en la difusión de la fotografía en Japón. Raisho es conocido por producir retratos y paisajes, y su trabajo fue muy popular en su época. Sus imágenes fueron valoradas por su calidad técnica y su capacidad para capturar la vida cotidiana y la cultura de Japón en un momento de cambio y modernización.

Además de ser un fotógrafo talentoso, Raisho también fue un pionero en la difusión del conocimiento de la fotografía en Japón. Enseñó a otros sus técnicas de la fotográficas y ayudó a establecer una comunidad de fotógrafos en el país.

Ya en la década de 1870, la fotografía se convirtió en una forma popular de documentar la vida cotidiana y la cultura japonesa, y los fotógrafos comenzaron a producir imágenes que capturaban la belleza y la tradición del país. Durante este período, la fotografía también se utilizó para registrar la modernización y la westernización del Japón, y para promocionar la nación en el exterior.

En la década de 1880, la fotografía en Japón alcanzó un nivel artístico y la fotografía al estilo ukiyo-e, conocida por sus imágenes coloridas y detalladas de la vida cotidiana, se convirtió en un género popular.

El estilo ukiyo-e, también conocido como “imágenes del mundo flotante”, es un género de arte japonés que floreció en la década de 1700 y se mantuvo popular hasta la década de 1900. El ukiyo-e se caracteriza por sus imágenes coloridas y detalladas de la vida cotidiana, incluyendo paisajes, retratos, escenas teatrales y eróticas.

El estilo ukiyo-e fue influenciado por la cultura popular y la vida cotidiana de la época, y las imágenes eran accesibles y asequibles para una amplia gama de personas. El ukiyo-e se convirtió en una forma popular de documentar la vida cotidiana y la cultura de Japón, y sus imágenes influyeron en el arte y la cultura en todo el mundo.

Con el tiempo, el estilo ukiyo-e evolucionó y se desarrollaron diferentes técnicas y estilos, incluyendo la técnica de estampación con blocs de madera, la técnica de caligrafía y la técnica de pintura al óleo.

En la década de 1880, la fotografía al estilo ukiyo-e se convirtió en un género popular. Muchos fotógrafos japoneses adoptaron los estilos y técnicas del ukiyo-e en sus imágenes, y el estilo influyó en el desarrollo de la fotografía en Japón.

Este género de arte japonés conocido por sus imágenes coloridas y detalladas de la vida cotidiana, fue influyente en el desarrollo de la fotografía en Japón y ha sido valorado como una forma importante de documentar la vida y la cultura de Japón en un momento de cambio y modernización.

Como resumen, podríamos decir que los orígenes de la fotografía en Japón se remontan a la década de 1840, cuando la tecnología fotográfica se introdujo en el país. Desde entonces, la fotografía ha sido una forma valiosa de documentar la vida cotidiana y la cultura, así como la propia historia de Japón, alcanzando un alto nivel tanto en el plano artístico como en el plano técnico. En el próximo post hablaremos de las grandes marcas fotográficas japonesas y de su aporte clave al desarrollo de la fotografía a nivel mundial.

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Raquel nos habla de su experiencia en la fotografía analógica, en sus métodos de trabajo y sobre la sensibilidad fotográfica. Sin duda sus trabajos nos muestran la calidad de sus propuestas y el aroma analógico que tanto nos gusta.

Os recomendamos muy fervientemente seguir, como nosotros ya hacemos, a Raquel en su Blog www.mundokela.com y en las redes sociales, disfrutareis de análisis de cámaras, entrevistas y podréis disfrutar con sus hermosos trabajos.

Presentación

¿Nombre?
Raquel de Mundokela

¿De dónde eres?
De Barcelona aunque vivo en el sur de Alemania

¿Qué te impulsó a ser fotógrafo/a?
Siempre me ha gustado la imagen. Tengo memoria fotográfica y retengo mejor las imágenes que los textos. Así que empecé a tomar fotos cuando aún no se distinguía la fotografía analógica de la digital, porque sólo existía la analógica. La fotografía analógica me hace pensar y reflexionar sobre la imagen que quiero conseguir y eso me hace conectar conmigo. Además de querer congelar el tiempo y guardar mis recuerdos.

¿Cómo empezó y cuándo supiste que la fotografía era tu vocación/ tu pasión?
Desde que tuve mi primera cámara en las manos con 12 años o antes, cámaras analógicas y Polaroid. Ver la magia del revelado.

¿Cómo y cuándo empezaste en la fotografía?
Empecé con una Agfamátic 2000 de mis padres de carrete 110 y continué con una Kodak disc que perdí en un viaje de fin de curso, eso con 12 años. Mis ganas de tener esos recuerdos, me impulsó a fotografiar mi alrededor, risas de amigos, vivencias ….

¿Desde cuándo estas realizando fotos?
Pues creo que desde los 12 u 11 años, no recuerdo bien.

¿Y cuál es tu recuerdo de tu primera fotografía?
El recuerdo de mi primera foto, es a mis padres y a mi hermana antes de salir de vacaciones, porque siempre cargábamos el coche y a mí me hacía mucha gracia vernos con tantos bártulos. Además, mi padre posaba sin mirar mirar el objetivo, siempre se posaba como mirando al horizonte … así que más o menos fue así. Fotos de familia.

¿Te dedicas profesionalmente a la fotografía o bien como hobby?
Si bien es un hobby, estoy emprendiendo actualmente para dar cursos y talleres de fotografía analógica y Polaroids, Resolver sudas analógicas, así como para  mentorizar a personas que quieran descubrir la fotografía analógica y todas sus posibilidades creativas.

¿Cuál fue tu primera cámara?
Mía de verdad , una Canon EOS500N que es la que actualmente aún me llevo en mis viajes por el mundo. Pero la primera, primera…fue la Agfamatic 2000 de 110…que era de mis padres y al final me la quedé yo! ?

¿Con que equipo trabajas actualmente? (Cámaras analógicas, cámaras digitales, modelos, etc …)
Tengo una colección grande de cámaras analógicas y suelo disparar con varias de ellas, dependiendo de la situación. Formato medio, 35 mm, 110 y Polaroids (aquí incluyo a las instax de Fuji).

Formato medio por ejemplo: Yashica Mat 24, Hasselblad, Holga, Diana, Rolleiflex….

35 mm: Canon EOS 300 y 500 N, Yashica Quarz, Zenit 11, Voightlander, Rollei 35 T, LCA+, Agfamatic, Nikon touch lite, Canon point&shoot, Fuji ….

110: Agfamatic 2000, 2008, Minolta…

Polaroid : Sx70, SX-70 con sonar, Image, Instax wide, Lomo wide, LCA+ Instax back, Swinger, POlarod 190, 180, 356….

Digitales también disparo con una Fujifilm XT-3 y tengo alguna compacta digital Casio exilim super viejita que cabe en el bolsillo y muy de vez en cuando me la llevo.

¿Qué temas toca tu fotografía? (Viajes, Naturaleza, Callejera, Musical, Fotoperiodismo, etc. …)
Desde que vivo en el sur de Alemania y hay tanta naturaleza, pues más naturaleza, además con la pandemia poca gente podía fotografiar excepto mi familia, a la que también he fotografiado haciendo retratos.

Siempre que he viajado, Madagascar, Etiopia, Guatemala…. he fotografiado a sus gentes y sus paisajes, además de a los compañer@s de viaje.

¿Dinos algo característico de tu estilo fotográfico?
No podría decir nada en concreto, sólo que no he dejado de evolucionar y aprender con cada una de las cámaras que he adquirido o fotografías, cursos o proyectos que he ido desarrollando desde que disparo.

Bueno sí, puedo decir que la fotografía instantánea en forma de Polaroid es mi Fetiche!

¿Qué es una buena fotografía para ti?
Una buena fotografía es aquella que transmite un sentimiento, aquella que cuando el espectador la mira no se puede quedar indiferente y la guarda en su retina. No necesariamente es así para todas las personas, cada uno tiene un bagaje que hace que su ojo esté entrenado con un tipo de imágenes diferente…

Explícanos un poco como abordas tus fotografías.
La preparación depende de lo que vaya a fotografiar en ese momento, del lugar sobre todo y de la calidad de la luz en ese momento en concreto, por ejemplo:

Cuando disparo con una Polaroid Land 190 y carrete de peel apart de hojas separables, siempre hago retratos e intento buscar un buen fondo para que el sujeto que fotografío sea el protagonista.

Cuando disparo con Point&shot actualmente y es desde hace unos casi 3 años, es para seguir a mi Hijo, intento captar esos momento irrepetibles, rápidos, que con otra cámara me sería imposible captar.

Cuando voy de viaje, me preparo 3 tipos de cámaras y diferentes tipos de carretes, una por ejemplo Sprocket Rocket para hacer paisajes, una cámara réflex con objetivo zoom para fotografiar a gente en la calle y otra pequeña, por si tuviera que hacer fotos muy discretamente.

Cuando he adquirido una nueva cámara, la cargo con un carrete b&n y busco, sobre todo retrato para fotografiar.

Tengo alguno proyectos que pienso el qué y después escojo carrete y cámara.

¿Te fijas en otros fotógrafos/as para buscar inspiración? Si es así, ¿Podrías nombrar algunos?
Hay tanto ruido en inernet así que busco entre mis libros de fotografía y si quiero ampliar busco en buscadores el nombre de la fotógrafa o fotógrafo en concreto, pero sobre todo me inspiran y me han inspirado siempre, las fotógrafas y fotógrafos de National geographic. Mi libro de Polaroid book, libro de Eve Arnold, otro de Magnum fotos sobre Marilyn Monroe. También mis amigos Pablo Hache, Rocio Puebla de Redlandparcel, Marina de @revelandoladistopia, Marina Llopis de @Ifwefilm…., y ahora sigo mucho a Lisa Sorgini…

¿Cuál sería tu consejo para alguien que quiera empezar en fotografía?
Observar qué tipo de fotografía le gusta, a quien sigue en las redes. Le recomiendo hacer un curso básico para entender su cámara y los básicos de la fotografía. Pensar primero en qué tipo de imagen quiere conseguir y a partir de ahí desarrollar sus habilidades para conseguirla y hacerse con la herramienta adecuada.

Trabajos de Raquel de Mundokela

Os anímanos a visitar la web de Raquel en www.mundokela.com

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Luis también nos presenta su trabajo “Tierra de nadie” realizado en analógico con la fantástica Holga 120N, donde nos muestra un retrato lleno de fuerza y sorpresa de la cotidianidad de un país. Con “Tierra de nadie” Luis pone de manifiesto, al margen de un talento fotográfico excepcional, la explosividad que ofrece la Holga 120N al estilo de otros grandes como Daniel Burnett o Michelle Bates.

Hablamos de sus comienzos, del panorama fotográfico en Guatemala y de la situación actual del fotoperiodismo.

¿Qué te impulsó a ser fotógrafo/a?, cuéntanos sobre tus inicios en la fotografía.

Me inicié en la fotografía porque necesitaba estar ocupado. Tenía 19 años e iniciaba mi primer año de medicina, pero a mitad de curso reconocí que no podía seguir estudiando, la carrera era muy compleja. Para estar ocupado en algo, tomé clases de pintura. Empecé con pintura al óleo, pero me frustraba muchísimo porque no tenía paciencia para esperar a que los colores se secaran. Para poder pintar, mi tío me prestó su cámara, una Pentax K1000, y me dio unos consejos súper básicos, gasté un carrete y lo llevé al laboratorio para revelar, hacer copias y así poder dibujar y pintar. En ese proceso de imagen y pintura, un amigo me dijo que era mejor fotógrafo que pintor, y eso me motivó a tomarme en serio la fotografía.

En Guatemala, serían años 2000, no existían escuelas de fotografía, solo algunas clases en las carreras de Periodismo, Arquitectura y Diseño, pero eran clases de un semestre y yo quería mas. Busqué información para poder estudiar fuera de Guatemala, pero era demasiado costoso para mis posibilidades. Me llegó información de un curso técnico de iniciación de fotografía, que se hacía en Ciudad de Guatemala, y lo realicé. Era un curso muy básico, donde aprendí y me enamoré del proceso químico.

¿Cuál fue tu primera cámara?, cómo era tu primer equipo fotográfico.

Mi primera cámara fue una Vivitar v3800n con un objetivo 28-70mm, la compré para realizar el curso técnico en el año 2002. En ese año también inicié mis estudios de periodismo en la universidad San Carlos de Guatemala. Luego con los años compre una Nikon n55.

Después de más de 10 años de trabajo profesional, tanto en Guatemala como en colaboración con agencias internacionales, cómo fueron tus inicios en el ámbito profesional.

Estudiando periodismo un amigo me comentó que había una plaza de fotógrafo en el diario elPeriódico y decidí ir con una carpeta a presentarme, era 2004. El acuerdo que conseguí fue hacer fotos de sociales de manera gratuita y ellos me darían un carrete a la semana para cubrir seis actividades y se encargarían del revelado. Así pasé un año, hasta que conseguí un contrato por Q1.500, que en la actualidad serían160€ al mes.

Llegó la transición a lo digital y tuve que vender todo mi equipo analógico, así como el pequeño laboratorio que tenía en mi habitación. Mi primera cámara digital fue la Nikon D100. Pasé a formar parte de la plantilla de noticias en 2009.

Mi primera colaboración internacional fue para EFE, ya que conocía al fotógrafo de la delegación y le gustaba mi trabajo. Él me preparó para trasmitir por FTP y realizar con exactitud los pies de foto. Mi primera foto vendida internacional fue el 10 de diciembre 2009, cuando la gobernadora de Canadá llegó a Guatemala y visitó el Congreso de los diputados.

Tuve el gran privilegio de formarme en elPeriódico. Su línea editorial era genial y se proponía arruinar cada mañana el desayuno a los políticos. Además, contábamos con la libertad de cubrir temas y proponer imágenes. Mi editor era Moisés Castillo, quien también era fotógrafo de AP, y él nos permitía vender imágenes a las agencias. En 2011 viajé a Buenos Aires, donde participé en el Foundry Photojournalism Workshop y asistí al taller “El alma de la narración” por Michael Robinson Chavez y Alex Kornhuber. Además, en ese viaje realicé un curso técnico llamado “Pensamiento y Fotografía”, a cargo de Bruno Dubner en el Centro Cultural Rojas.

Al volver a Guatemala volví a formar parte de la plantilla de elPeriódico y comencé a colaborar como freelance para la agencia AFP, durante un año. En 2013 dejé de elPeriódico para trabajar como editor y fotógrafo para la revista Contrapoder y también pude ser STR para la agencia AP, con quien trabajé durante cinco años, hasta que en 2018 me vine a vivir a España. Mi última cobertura en Guatemala fue ser pool para la visita del vicepresidente de Estados Unidos Mike Pence por el tema de la separación de niños y sus familias por parte de las autoridades migratorias de Estados Unidos.

En agencias aprendí a tener una mirada más internacional de los temas, a responder a la inmediatez y buscar la precisión de la imagen, así como a afinar la edición.

¿Con que equipo trabajas actualmente? ¿Y cómo definirías o encajarías tus trabajos fotográficos?

Actualmente trabajo con Canon y con ópticas fijas, llevo un 24, 35, 50 y un 200mm, con eso hago todo mi trabajo. Trato que mis trabajos personales encajen en la noticia y la actualidad.

Trabajos como, “Tierra de Nadie”, tienen un marcado componente social y de denuncia. ¿Cuál crees que es la principal misión del fotoperiodismo social? ¿Cómo ves la fotografía como herramienta de generación de conciencia?

El fotoperiodismo social tiene una gran carga de denuncia social, pero también tiene una carga de responsabilidad hacia la historia y el lector, teniendo como bastión la credibilidad y veracidad, principios que en estos tiempos son más necesarios que nunca.  La fotografía ha podido cambiar políticas migratorias, como en EE.UU., y poner atención sobre las condiciones de vida de los más vulnerables. Pero creo que en la actualidad hay tanta distracción que cada vez es más complejo el camino del mensaje.

¿Crees que el actual fotoperiodismo está realizando su labor, o simplemente es una herramienta más del clickbaiting?

Estoy en una delgada línea del optimismo, pero me gustaría creer que el fotoperiodismo siempre tendrá un espacio para publicar y ser pagado. La crisis va más al modelo económico de los medios de comunicación y en esa desesperación han puesto como carne de cañón a la imagen y las historias, cuando deberían de cuidarlas más y hacer una diferencia en la apuesta por el fotoperiodismo.

El fotoperiodismo siempre dará de qué hablar a la opinión pública y especialmente en las redes sociales. El caso más reciente es la imagen de la chica de Cruz Roja abrazando a un migrante en Ceuta. La imagen es súper potente y cumplió su labor, el problema es que todos tienen una opinión desde el sillón de su casa o detrás de un móvil. Ahí esta el negocio, cuando el medio se aprovecha de la controversia para salir a flote en vez de buscar a los protagonistas y dar un buen contenido a sus lectores.

Háblanos sobre tus referencias fotográficas, tanto pasadas como del actual panorama fotográfico.

Mis referencias son muchas y diversas: Larry Towell, Koudelka, Matt Black, Alec Soth, Robin Hammond, Darcy Padilla, María Cristina Orive, Miquel Devendra Plana, Elliott Erwitt, Bruce Gilden, Pablo Ortiz Monasterio, Graciela Iturbide. En la línea de Holga me encanta el trabajo de David Burnett y Thomas Alleman.

Como sabes, nuestra web tiene mucho apartado de analógico o de fotografía química, ¿Cómo descubriste las cámaras lomo, como la Holga 120, que usaste en “Tierra de Nadie”? ¿Sigues utilizando material analógico?

En el 2008 una gran amiga guatemalteca, Paula Morales, me presentó su cámara Diana y me comentó sobre la lomografía, así que investigué y llegué a dar con la Holga 120N. Fue amor a primera vista. Después de muchos carretes logré encontrar mi estilo, cerrando cualquier entrada de luz, sabiendo mis distancias de enfoque y cómo colocarme ante la luz. Así que me la llevaba a las coberturas diarias del periódico: era una cámara menos pesada y generaba un archivo propio. Al cabo del tiempo vi que había buen material y bajo esa conciencia empecé a generar el proyecto, que me llevó 9 años.

Soy un romántico de lo analógico y sigo trabajando con ello, siempre la Holga 120N, y por momentos con una Rolleicord, una Canon demi ee17 y hace poco compré una Canon Eos1N con la que puedo usar mi óptica digital.

¿Qué es una buena fotografía para ti?

Una buena foto para mí es la que me pregunta como espectador, la que me genera más dudas sobre lo que está pasando dentro del cuadro.

Explícanos un poco como abordas tus trabajos de autor. (Preparación, planteamientos, mensaje, post-producción)

Reconozco que he construido mis trabajos sobre la marcha o, como en los últimos años, a partir de una idea que poco a poco iba tomando forma. Tierra de Nadie es un gran retrato de país donde existen personajes que, a través de la historia, tienen una gran relación con el conflicto armado. Pese a que el conflicto ya terminó, duró 36 años, actualmente sigue teniendo una huella relevante en la política y social del país, las heridas siguen abiertas. Las comunidades indígenas afectadas siguen teniendo los mismos problemas y necesidades. En mi casa nunca se habló del conflicto, la firma de la Paz fue en 1996, cuando tenía 14 años. Con mis inquietudes y mi trabajo como fotógrafo conocí la realidad del país y desarrollé mi conciencia crítica y ahí vi la oportunidad de poder contar la post guerra, que sí me ha tocado vivir.

Hace poco, a raíz de un artículo sobre Sebastiao Salgado, hicimos un mínimo repaso sobre la actualidad fotográfica en Sudamérica, ¿Cómo es el panorama fotográfico actual en Guatemala?

Para poder hablar del panorama actual hay que hablar del pasado y entre los fotógrafos que han sobresalido están María Cristina Orive, Luis González Palma, Daniel Hernández, Julio Zadik.

Hay que recordar que no existían escuelas de fotografía y los fotoperiodistas aprendíamos de los fotógrafos extranjeros que llegaban al país, y también nos formábamos en la calle, como fue mi caso y el de grandes fotógrafos como Moisés Castillo, Sandra Sebastián, Johan Ordóñez, Alex Cruz, Esteban Biba y Santiago Billy que actualmente están haciendo grandes trabajos.

Por otro lado hay fotógrafos como Andrés Asturias, Byron Marmol, Juan Brener, Andrés Vargas , Clara de Tezanos y Luis Corzo que han hecho y están haciendo trabajos de autor muy interesantes.

Ya existen escuelas de fotografía, aunque ninguna tiene fotoperiodismo como especialización, pero hay que reconocer que hay muy pocos medios que publiquen o paguen por el trabajo.

Por otro lado, dada tu actual residencia en Madrid, ¿Cómo ves el panorama fotográfico en Madrid y en España? Y ¿Cómo está la situación profesional para los fotógrafos freelance?

Es complejo ser freelance y más si no te conocen o no conocen tu trabajo. Es un sector muy competitivo, lo que por una parte es bueno porque te reta a buscar historias no contadas. Pero hay muchísimos grandes fotógrafos y trabajos muy interesantes y comprometidos.

Nos puedes contar algo sobre tus futuros proyectos.

Estoy muy interesado en temas sencillos que, pese a ser cotidianos, todavía me sorprenden como migrante. Por dar un ejemplo, la relación de la ciudadanía con el bar, la relación con la bandera de España, que me sigue impresionando como marca de país. Me interesa el tema migratorio y la construcción de la identidad, proceso que estoy viviendo. El verano es un gran tema, en mi país no conocía las vacaciones ni este concepto de “verano” donde todo queda en pausa.

¿Cuál sería tu consejo para alguien que quiera empezar en fotografía?

Curiosidad, mucha curiosidad, que haga un esfuerzo en intenten usar analógico, que prueben unos carretes. Creo que es un ejercicio para apreciar la creación de la imagen porque cada cuadro es dinero. También recomiendo tener referentes, descubrir autores y conocer sus procesos gráficos.

Desde 120Lomo agradecemos enormemente la oportunidad que nos ha brindado Luis para presentar su trabajo y compartir con nosotros su larga experiencia como fotoperiodista, y esperamos que esta sea la primera de muchas visitas y presentaciones de su trabajo en nuestro espacio.

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La obra de Sebastiao Salgado

Sebastiao Salgado (Aimorés, Minas Gerais, Brasil, 8 de febrero de 1944) es uno de los fotógrafos más importantes de la historia de Brasil. Ya desde muy joven demostró un gran interés por la fotografía. Sin embargo, en el año 1963 inició la licenciatura de economía en la Universidad de São Paulo, donde profundizó en sus estudios hasta 1969, momento en el que decidió trasladarse a París para obtener el doctorado.

Ya en esta ciudad comenzó a tener contacto con los círculos artísticos de fotografía. Dicho contacto se estrechó en 1971, cuando se mudó a Londres con su esposa para trabajar como economista para la Organización Internacional del Café.

Debido a ese trabajo, viajó frecuentemente a África y fue en ese continente donde se decidió a tomar una cámara y comenzar a hacer fotografías. Tan grande fue el potencial que vio en este ámbito que dejó su trabajo como economista y en 1973 regresó a París para comenzar de forma definitiva su vida como fotógrafo.

Dado que su verdadera vocación vio la luz en sus viajes a las zonas más pobres de África, rápidamente se convenció de que su lugar estaba junto a la fotografía de corte social. Desde el momento en que pasó a formar parte de la agencia fotográfica Gamma en 1975, se dedicó a viajar por América Latina, África y Europa, realizando importantes trabajos, como el ensayo fotográfico sobre los indios y campesinos de Latinoamérica de 1977.

En 1979 decidió dejar Gamma y empezó a trabajar con una de las más importantes agencias de la historia: Magnum Photos. Allí permaneció durante 15 años, realizando gran cantidad de reportajes en todo el mundo. En todo caso, continuó prestando atención a uno de sus temas predilectos, el de los indios y campesinos latinoamericanos, y a ellos les dedicó su primer libro: Otras Américas (1984).

Progresivamente, su voluntad de compromiso fue aumentando. A mediados de la década de los 80 realizó numerosos trabajos al servicio de la organización humanitaria Médicos Sin Fronteras. A través de su objetivo, logró captar la hambruna africana, en un espectacular proyecto de más de 18 meses de duración. Fruto de esta voluntad de apoyo a Médicos Sin Fronteras publicó dos libros que contenían exposiciones fotográficas: Sahel, l’Homme en Détresse y Sahel el fin del camino.

Tras eso, la dirección de su trabajo viró sensiblemente pero sin abandonar el compromiso social. Así, de 1986 a 1992 viajó a lo largo de 23 países con el fin de crear una serie de fotografías que documentasen el fin de la era industrial. De ello nació una de sus más importantes obras: Trabajadores: arqueología de la era industrial (1993), del que se vendieron más de 100 000 copias y que ha acabado expuesto en más de 60 museos.

Embaucado por el mundo de los trabajadores, continuó documentando su vida. En especial destacó el interés que puso sobre los fenómenos de éxodo rural en más de 43 países. Miles de personas que abandonaban el campo en busca de una vida mejor en las urbes fueron retratadas por Salgado y publicadas en Migrations (2000).

De esta larga carrera de fotografía comprometida, Salgado ha recibido numerosos reconocimientos. Es miembro honorario de la Academia de las Artes y las Ciencias de Estados Unidos, así como Embajador de UNICEF. Ha recibido numerosos premios como, por ejemplo, el Premio Príncipe de Asturias de las Artes o el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad, y varios doctorados honoríficos.

El panorama actual de fotógrafos en Sudamérica

Haber hablado acerca de uno de los más importantes artistas de la fotografía de Sudamérica de todo el siglo XX nos da pie a echar un vistazo ahora al panorama actual de los fotógrafos latinoamericanos.

En este sentido, muchos son los nombres que podríamos incluir, ya que el mundo de la imagen está viviendo, sin duda, un auténtico boom en toda América Central y del Sur. Sin embargo, vamos a centrarnos en 5 de los nombres que aúnan frescura, novedad y, sobre todo, calidad.

Miguel Calderón

Nacido en Ciudad de México en el año 1971, es uno de los más reconocidos fotógrafos mexicanos. Su obra está presente internacionalmente y su filosofía se basa en nunca repetir lo ya hecho, modificando continuamente las reglas de su propio arte. Esto le empuja a mezclar pintura con vídeo, fotografía con instalaciones. Todo ello le permite expresar los mensajes que desea transmitir.

Nicola Costantino

Fotógrafa argentina que ha sido capaz de mezclar las técnicas escultóricas con la fotografía. Los cuerpos humanos tienen enorme peso en sus piezas, así como la referencia a obras clásicas de otras disciplinas artísticas. Sin ninguna duda, se trata de una de las mujeres artistas más importantes de toda Sudamérica en la actualidad.

Daniel Marenco

Fotógrafo brasileño nacido en el año 1980. Trata de plasmar emociones fuertes y traumáticas a través de sus piezas. Como fotógrafo genial es, en efecto, capaz de captar esa emoción y de traducirla en imagen, con tal de que el espectador sienta el choque de lo que se muestra. Ante todo persigue la autenticidad, por lo que trata de acudir a escenarios reales en los que captar situaciones cotidianas de América Latina, con toda la dureza que eso conlleva.

Alejandro Severo

Nacido en Brasil en el año 1980, Severo es ejemplo claro del interés que hay entre los fotógrafos, tal y como ocurría con Salgado, sobre la realidad social de América. Con la enorme calidad de sus fotografías transmite la profundidad y dolor de alguna de las situaciones más crudas de nuestras sociedades contemporáneas.

Gustavo Bettini

Aunque este brasileño nacido en 1980 se formó en Turismo y Hostelería, en el año 2000 se decidió por pasarse a la fotografía. Desde entonces ha utilizado novedosas técnicas de importante carga transgresora. Insertado en el arte contemporáneo, de entre sus trabajos más importantes destaca Inframargem: A los márgenes de infrarrojos del mundo (2008). Como se entiende del título, este fotógrafo pone especial interés en la posibilidad de someter los aspectos técnicos a la voluntad artística, poniendo al servicio de la estética lo que, en principio, podrían parecer limitaciones materiales.

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Estas experiencias le sirvieron para ir descubriendo su vocación por la fotografía. No en vano, en el segundo de estos centros conoció a John Hinde, quien fue uno de sus primeros referentes.

Hoy en día, es Platon quien se ha convertido en una figura relevante en su ámbito, el de la fotografía. Sobre todo, entre quienes se dedican a los retratos de personajes célebres, aunque este profesional también trabaja otras especialidades, tales como el paisajismo o el fotoperiodismo.

En todo caso, hemos de señalar que su profundización en las fotos de personalidades (especialmente del ámbito político, pero también del mundo de la cultura o de la gente común) es lo que le ha dado una mayor fama. De hecho, si eres ya un iniciado en el arte de la fotografía, no te va a costar distinguir un retrato hecho por Platon de los que puedan haber llevado a cabo otros fotógrafos conocidos.

Nos referimos, en estos casos, a retratos que se asemejan a las tomas de los fotomatones o las fotos de carnet de identidad. Realiza estas instantáneas tanto en color como en blanco y negro. Y puedes tener claro que, cuando opta por este segundo formato, la foto no pierde un ápice de calidad, sino que incluso gana en matices.

En estos retratos, algunos de los hombres más poderosos del mundo (presidentes de Estados Unidos como George W. Bush, Bill Clinton y Barack Obama, o el ruso Vladimir Putin) aparecen ante el espectador con una mezcla de magnificencia y realismo. De la misma manera que las fotos muestran a personajes que detentan importantes resortes de decisión, también logran acentuar algunos de sus rasgos más característicos. Seguro que eres capaz de observar, igual que fueron captados por Platon, el aire campechano de Bush, el carisma de Clinton, la seguridad en sí mismo de Obama o la fortaleza de Putin.

Para adquirir este estilo tan propio a la hora de retratar, se requieren largas horas de entrenamiento y un constante estudio de los referentes en la materia. De hecho, es reconocible en la trayectoria de Platon la influencia de emblemáticos fotógrafos como Richard Avedon e Irving Penn.

La base de estos retratos es, en primer lugar, estar muy cerca del protagonista, a quien le puede llegar a incitar, sin que resulte exagerado ni impostado, a que adopte una postura que refleje sus rasgos de carácter más acusados. Con fondo negro o blanco, Platon logra que te fijes, especialmente, en la mirada del retratado.

Las técnicas del acercamiento y el contraste, por ejemplo, con fondos impolutos consiguen resaltar las facciones más angulosas y particulares de sus fotografiados. De esta forma, la vista se te va a ir, indirectamente, hacia la nariz, los ojos y la boca del personaje. Los rasgos que singularizan su rostro adquieren, en contraste con las tres dimensiones, unas mayores proporciones. Por su parte, otros elementos que consideramos de menor relieve, como las orejas, quedan en un segundo plano.

Además de investigar acerca de las técnicas de fotografía y perfeccionarlas, para el fotógrafo que te estamos presentando es imprescindible disponer de unos aparatos con los que se siente cómodo. Es el caso de la Hasselblad, que emplea cuando se dedica al retratismo. No olvides que, en este sentido, hace uso de uno de los escáneres más sofisticados del mercado para trabajar con los negativos.

Por otro lado, en el documental de Netflix Best in design aparece empleando una Leica de carrete. Es dicho programa el que ha lanzado a la fama a este fotógrafo entre quienes no eran conocedores directos de la profesión. En él lo puedes ver trabajando junto a sus ayudantes, por lo que te recomendamos su visionado para que te hagas una idea de cómo son las labores habituales de esta referencia.

La cámara del angular que Platon acerca en sus instantáneas tiene un formato medio de 35 mm. La ligera deformación del angular se complementa con su juego de la perspectiva, lo que supone una gran aportación de tensión y fuerza narrativa a sus trabajos. Solo emplea un flash frontal sobre los fondos negros o blancos, lo que proporciona brillo a los ojos del fotografiado y conlleva que se cree una especie de halo alrededor de su silueta.

Asimismo, el atrezzo se reduce a la mínima expresión, y Platon solicita a sus interlocutores que fijen su mirada en el objetivo. Lo que tiene que sobresalir, en este escenario desnudo, es esa mirada que perfila la personalidad. Por eso, los líderes mundiales gustan de verse reflejados en estos retratos.

Esta es la razón que se encuentra detrás de que grandes publicaciones de actualidad (New York Times Magazine, Vogue, GQ, Esquire, Vanity Fair o Rolling Stone) hayan contratado a este profesional para sus retratos, muchos de los cuales han acabado en portadas inolvidables (como la de Putin como personaje del año en 2007).

Pero Platon no solo tiene la vocación de técnico en fotografía, sino que también, como artista comprometido, ha puesto su trabajo al servicio de diversos movimientos que luchan por ampliar los derechos civiles de sus comunidades. Es el caso, por ejemplo, de Birmania y la corriente que encabeza San Suu Kyi. También ha colaborado con los disidentes que protestan contra determinadas actuaciones del Gobierno ruso.

Su destreza para el retratismo no solo se ha centrado en las celebridades, sino que también se ha proyectado, en otras ocasiones, en la gente común. Fue muy admirada, en este sentido, su colección de instantáneas de los soldados estadounidenses.

También, como profesor de fotografía, ha escrito varios libros. Por último, remarcamos que la calidad de su obra le ha valido prestigiosos premios, como los ASME 2009 y 2010.

En definitiva, Platon es, por méritos propios, un baluarte del retratismo contemporáneo. Sus fotos son testimonios mudos del poder de toda una época. ¿Cuál te gusta más?

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Las mejores películas con fotógrafos como protagonistas

Si te preguntamos por alguna película en la que el protagonista sea un fotógrafo o una fotógrafa, seguro que se te viene a la mente Los puentes de Madison o El fotógrafo de Mauthausen. Pero hay muchas más que te van a sorprender. ¿Recuerdas, por ejemplo, que el protagonista de La ventana indiscreta era fotógrafo? Descubre estas y otras pelis.

Los puentes de Madison

Los puentes de Madison (1995) es una deliciosa historia de amor protagonizada por dos grandes del cine, Meryl Streep y Clint Eastwood. Robert Kincaid es un fotógrafo de la emblemática revista National Geographic que visita los puentes de Madison para fotografiarlos. Allí, conoce a Francesca Johnson, una ama de casa que se ha quedado unos días sola mientras su marido y su hijo están fuera. Tan solo cuatro días serán suficientes para que Francesca quede rendida ante los encantos del fotógrafo. Una historia de amor en la que muchos podrán sentirse identificados.

El fotógrafo de Mauthausen

El fotógrafo de Mauthausen (2018) está protagonizada por Mario Casas, que da vida a Francisco Boix, un combatiente republicano que ejercía como fotógrafo. Es llevado a un campo de concentración durante la Segunda Guerra Mundial. Aprovecha su trabajo en el laboratorio del campo para esconder los negativos que prueban los crímenes y atrocidades que se cometen en ese lugar. Finalmente, y tras la guerra, comparece en el juicio que se llevó a cabo en Nuremberg. Una película sobre el holocausto nazi para levantar conciencias.

La ventana indiscreta

La ventana indiscreta (1954) tiene como protagonista al fotógrafo Jefferies (James Stewart), que se ha tenido que quedar en casa porque se ha roto una pierna. Su ventana trasera da a un patio y a otros apartamentos. Para pasar el tiempo, observa a sus vecinos a través de unos prismáticos. Jefferies empieza a sospechar de un vecino cuya mujer ha desaparecido. Como siempre, Alfred Hitchcock, el mago del suspense, mantendrá la intriga hasta el final de la película.

Finding Vivian Maie

Finding Vivian Maie es un documental sobre Vivian Maie, una niñera que se convierte en una fotógrafa de gran talento sin que nadie lo sepa. Su capacidad no fue reconocida hasta su muerte por John Maloof en un mercado callejero. 100 000 fotografías que le han valido el reconocimiento de gran fotógrafa de calle. La película fue nominada al Óscar como mejor documental. Un film que te encantará si llevas a un fotógrafo dentro de ti y no te sientes reconocido.

En Volver a nacer

En Volver a nacer (2012), Gemma, una joven mujer protagonizada por Penélope Cruz, vuelve a Sarajevo, donde tuvo una bella historia de amor con un fotógrafo, tras 16 años de asedio de la ciudad en la Guerra de los Balcanes. El objetivo del viaje es que su hijo pueda despedirse de su padre fallecido. Un retorno que le hará recordar su pasado y que será para su hijo Pietro todo un aprendizaje de vida.

High Art

La protagonista de High Art (1998) es Lucy Berliner, una fotógrafa que ha perdido todo su prestigio debido a las drogas y a su relación con una exactriz alemana. De forma casual, conoce a una fotógrafa que trabaja en una prestigiosa revista y que pretende alcanzar el éxito. Juntas emprenden un trabajo y algo más… Una historia de amor con un guion premiado en el Festival de Sundance.

Life

Life, la vida de James Dean (2015) es una película que versa sobre Dennis Stock, el fotógrafo que hizo las fotos de James Dean (protagonizado por Dane DeHaan) para la revista Life en 1955. Ambos establecen una amistad. Si eres un fan de este mito del cine, esta película te encantará.

Annie Leibovitz

Annie Leibovitz. Una vida a través de la cámara es un documental sobre la fotógrafa mejor pagada hasta ahora en todo el mundo y la primera mujer en exponer en la Galería Nacional de retratos de Washington D. C. A ella se debe la foto de John Lennon besando a Yoko Ono unas horas antes de su muerte. También fue la primera en fotografiar a las hijas de los actores Tom Cruise y Katie Holmes. Nadie mejor que su hermana para dirigir la película. Si eres fotógrafo, no te la puedes perder.

Los niños del Barrio Rojo

Los niños del Barrio Rojo es un documental protagonizado por la fotógrafa Zana Briski. Esta va a Calcuta para obtener fotografías relacionadas con la prostitución. Allí conoce a los niños de las prostitutas y les enseña a usar las cámaras. Una película con mucho encanto que fue premiada en los Óscar. Sin duda, un film que no te dejará indiferente.

Si quieres pasar un buen rato, no dejes de ver estas películas con fotógrafos como protagonistas.

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Los orígenes

Los orígenes de Avedon estaban ya impregnados de sus dos principales mundos: la fotografía y la moda. Nacido en una familia judía dedicada a la industria textil, tanto el padre como la madre trabajaban en diversos puestos del ámbito del retail. Y la afición por la fotografía le viene, directamente, de la madre. Desde pequeño, tuvo inclinaciones artísticas. En el colegio e instituto escribía poesías y llegó a ganar premios por ellas. Pero abandonó esa afición cuando su padre le regaló una Rolleiflex y Avedon se enroló en la marina mercante, en la que empezó a retratar a los hombres que trabajaban en su mismo barco. Este es un punto importante. Piensa que es en ese ambiente en el que empieza a construir su idea de cómo retratar y reflejar su entorno.

Después de la guerra, en la década de los 40, Avedon empieza a trabajar para Harper’s Bazaar durante casi veinte años. Hasta que Vogue, la gran revista de moda de Estados Unidos, le reclama como principal fotógrafo de moda del país. Fue casi como recibir una llamada del mismo presidente de Estados Unidos. Para un fotógrafo no había un trabajo más deseado.

Salto a la fotografía

¿Cuáles fueron las claves para dar este salto? Muy probablemente, su viaje a París y la forma en la que trabajó con modelos. Si observas sus fotografías de moda, tremendamente originales, creativas y diferentes, podrás ver que derrochan frescura y sorpresa, pero hay un elemento totalmente novedoso: la modelo gana un mayor protagonismo en la imagen.

Él fue el gran instigador de crear un universo en las imágenes de moda, una personalidad para cada participante. Y, además, dotó a todo de una escenografía única, casi excéntrica, que terminaba de redondear el resultado final y crear una fotografía realmente singular. Esta revolución dentro del mundo de la moda hizo que Harper’s Bazaar le ascendiera hasta jefe de fotografía y, finalmente, Vogue le contratase.

Líneas artísticas 

Sin embargo, si no conoces mucho la obra de Avedon, quizás te sorprenda saber que desarrolló otras dos vertientes como fotógrafo especialmente interesantes.

La primera fue la del compromiso social con su tiempo. Un fotógrafo no solo ha de crear de la nada, en un rapto imaginativo, como hacía en sus trabajos de moda. También tiene que reflejar su tiempo, sus conflictos y sus preocupaciones. Y esto fue, exactamente, lo que Avedon se dedicó a hacer. 1963 fue un año clave en su carrera, cuando fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles. Este no fue su único trabajo en esta línea. Otros conflictos o momentos históricos llamaron poderosamente su atención: la Guerra de Vietnam (que reflejó a través de una serie de fotografías de líderes militares y otros implicados en el conflicto armado) o la caída del Muro de Berlín y los restos de la capital alemana. Si bien estas no son sus fotografías más conocidas ni las, técnicamente hablando, mejor consideradas, sí que sirven para que puedas ver las dimensiones de un artista tan solemne e importante en el mundo de la fotografía contemporánea.

Finalmente, hubo otra rama en sus trabajos que resulta especialmente interesante: los retratos. Muy probablemente, Avedon encontró el gusto por este tipo de fotografías durante sus años en la marina mercante. Pero fue en su madurez como artista cuando logró dotarlas de personalidad y espíritu propio. Muchos de sus protagonistas eran personalidades muy conocidas y famosas de Estados Unidos (George Bush, Andy Warhol…) y, con aparente sencillez, sacaba un reflejo humano, inesperado y sensible en esas fotos. Con un fondo blanco y el personaje en primer plano, la fotografía no tenía mayores complicaciones técnicas. Sin embargo, alojaba en su seno una tremenda carga psicológica.

Como retratista, logró su mejor trabajo: In the American West, una serie de retratos a todo tipo de personas del oeste de Estados Unidos. Fue un trabajo que le llevó cinco años y en el que gastó miles de fotos para retratar a cientos de personas… Era la imagen de una América que nunca había salido ni saldría en el Vogue.

En conclusión, Richard Avedon fue uno de los fotógrafos más interesantes y con un historial de trabajo más amplio que pueda haber. Desde su revolución en el mundo de la moda y hasta sus trabajos como retratista, las suyas son fotografías que no te dejarán indiferente.

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A continuación te hablamos sobre algunas de nuestras favoritas. Es posible que reconozcas muchas de sus imágenes más aplaudidas, pero estamos convencidos de que aprenderás y disfrutarás conociendo el nombre y la historia que hay detrás de cada mirada.

Anna Atkins, la primera mujer fotógrafa

Aunque su profesión en realidad era la de la botánica, Atkins tuvo la visión de utilizar ilustraciones para sus libros con las que explicar mejor los fundamentos teóricos. Para ello comenzó a fotografiar las especies de las que hablaba, las algas británicas, y a acompañar con imágenes sus textos en 1843, con el libro Fotografías de las algas británicas: Impresiones Cianotipos.

La técnica que Anna Atkins utilizaba era la cianotipia, ya que permitía explicar las cosas con más realismo y detalle que los dibujos. Solo se publicaron tres ejemplares de su libro y un año más tarde, William Henry Fox Talbot tuvo la misma idea y publicó un texto con fotografías que se llevó todo el mérito de ser una publicación con este estilo.

La astucia visual de Tony Frissell

Esta fotógrafa estadounidense dio sus primeros pasos en la revista Vogue. Pasó por varios puestos sin destacar en ninguno hasta que comenzó a fotografiar en los años 30. Su acceso a los eventos de la alta sociedad americana, de la que ella misma formaba parte, le abrió las puertas a una carrera primero relacionada con la moda y, después, con el mundo bélico.

En los años 40 firmó como fotógrafa voluntaria del Women’s Army Corps y gracias al permiso militar pudo trasladarse a Europa y fotografiar enfermeras y militares civiles. A lo largo de su carrera fue compaginando los dos estilos, aunque con el tiempo fue aparcando la moda para centrarse en los retratos y la fotografía social.

Te encantará si te gustan las imágenes de estilo muy dinámico. Sus primeros pasos como fotógrafa de moda son evidentes en sus instantáneas. Trabajaba la dimensión y la profundidad de una forma que recuerda a las editoriales, incluso cuando el contexto era frío y hostil.

Lola Álvarez Bravo es la autora de algunos de los retratos más famosos

Esta fotógrafa mexicana, considerada la primera en la historia de su país, tuvo durante su vida una estrecha relación con otros artistas de su generación, como Diego Rivera, Tina Modotti o Manuel Álvarez Bravo, con quien llegó a casarse. Tras su separación, tuvo una prolífica carrera como corresponsal gráfica, fotógrafa comercial, etc.

No obstante, por lo que ha pasado a la historia y donde creó un estilo inconfundible, es en el retrato. Es la autora de algunas de las imágenes más famosas de Frida Kalho y, como decíamos en nuestra introducción, seguro que has visto al menos una vez en tu vida una foto suya, ya que algunas de ellas son más populares que la propia autora y forman parte de la cultura visual actual.

Creaba instantáneas naturalistas, con un espíritu sencillo y humilde. Como muchos mexicanos afirman, tenía la capacidad de ver las cosas por si mismas y reflejarlas así en su arte.

No puedes dejar de conocer a la fotógrafa española Lucía Herrero

No todas las fotógrafas son extranjeras ni han fallecido. En España también tenemos un talento excelente. Un ejemplo de ello es Lucía Herrero, que está ganando mucha popularidad en los últimos meses gracias a su Tributo a la bata. Un trabajo en el que retrata el costumbrismo desde su propio punto de vista, con un estilo que ella misma ha definido como «antropología fantástica».

En cada uno de sus trabajos combina el estudio y el análisis social con ejercicios de autoexpresión, donde se fusionan la realidad con la fantasía. Se convertirá en una referencia para ti si te gustan las instantáneas coloristas y cargadas de optimismo.

La celebración de la feminidad por Isabel Muñoz

Este Premio Nacional de Fotografía retrata como nadie los cuerpos en movimiento y la energía de las grandes personalidades y el arte. Bailarines de todos los rincones del mundo, contorsionistas y luchadores son algunos de sus modelos más celebrados. Por otra parte, esa pasión por los cuerpos en movimiento hace que refleje como nadie la feminidad. Si investigas su obra vas a encontrar cómo domina con maestría las imágenes poderosas con detalles delicados

Ahora que ya conoces alguna de nuestras fotógrafas preferidas, te animamos a que sigas investigando y descubras algunas más. Desde niñas prodigio, como Olivia Bee, a auténticas leyendas como Barbara Kruger, hemos dejado a muchas sin nombrar y sin duda disfrutarás descubriendo y entendiendo la visión femenina detrás del objetivo.

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La vida profesional de Francesc Fàbregas está directamente vinculada con el arte de la fotografía. A lo largo de este periodo creativo, que comenzó en la década de los 70, ha inmortalizado numerosos momentos. Ha participado con sus obras en exposiciones y ha colaborado con publicaciones de prestigio como Interviú, El País, Fotogramas o El Correo Catalán. También ha colaborado con editoriales de renombre como Planeta y RBA.

Este profesional nació en Sant Just Desvern en el año 1950. Al inicio de su carrera en la fotografía musical colaboró como fotógrafo con compañías discográficas y, también, con revistas especializadas como Vibraciones, Video Actualitat, Rock Espezial, Viejo Topo y la histórica Rock de Lux. Ha participado en numerosos proyectos, por ejemplo, en el programa musical Sputnik.

Ha recibido importantes galardones a lo largo de su carrera. Entre estas distinciones, cabe destacar que recibió el Premio Ciutat de Barcelona en 1991. También fue uno de los protagonistas en el año 2010 en los Premios Talento de la Academia de las Ciencias y las Artes de Televisión. En el año 2012 recibió el Premio ARC en reconocimiento a su trayectoria profesional. Un galardón concedido por la Asociación de Representantes, Promotores y Mánagers de Cataluña.

Algunas de sus fotografías también componen el libro Música pels ulls que fue editado en el año 2012. Esta publicación adentra al lector en la historia de la música a través de imágenes de conciertos inolvidables que se celebraron en Barcelona.

Francesc Fàbregas cuenta historias a través de imágenes con alma en las que destacan dos elementos perfectamente vinculados: la luz y el color. Las fotografías de este profesional inmortalizan con frecuencia escenas que forman parte de la realidad al mostrar instantes, personas, perspectivas únicas, localizaciones o escenarios naturales. Estos son algunos de los destinos en los que ha expuesto sus obras: Barcelona, Chicago, Madrid, Ibiza, Formentera, Montpellier…

Francesc Fàbregas desempeña la labor de dirección en el Formentera Fotográfica, un proyecto especializado en el mundo de la fotografía que propone un programa de talleres, conferencias y distintas actividades en torno a esta disciplina. Este año ha celebrado su nueva edición durante el mes de octubre. Francesc Fàbregas es el fotógrafo y el director de dicho festival que se dirige tanto a profesionales como a quienes quieren llegar a serlo en el futuro. Pero también a quienes disfrutan de esta actividad en su tiempo de ocio. Este proyecto permite a los asistentes descubrir la isla y, también, realizar fotografías con una luz única.

Por tanto, Francesc Fàbregas es un fotógrafo de prestigio y un referente para otros muchos amantes de la fotografía, y también de la música, como hemos comentado anteriormente. Su carrera está muy unida al mundo cultural. Y, a través del trabajo que ha desarrollado a lo largo de tantos años, ha acercado la cultura al gran público.

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